ActualidadAMAYA MARÍN MENDIZÁBALEl Turista Original

Nuevos tiempos para la música (II)

La digitalización ha roto barreras también en la música y ahora cualquiera con un pequeño equipo puede componer y reproducir sus creaciones, sin necesidad de discográficas que a veces pueden ser despóticas. En un principio ese acceso entronca con lo igualitario para que el consumidor nato de plataformas decida, eso sí, con algoritmos que no son inocentes del todo. Veremos las formas por las que apuestan los músicos hoy para editar su música.

Si es cierto que el rock ha muerto y se sustituye por los estilos urbanos, no es incierto que la música viene custodiada por las tecnologías. Los avances tecnológicos caminan de la mano con las nuevas tendencias y alcanza sus máximos en la música electrónica. Lo digital se utiliza para interpretar, reproducir, componer o editar y, en consecuencia, florecen nuevas formas de expresión que dejan obsoletos los pocos y mismos acordes del rock.

Pero no vamos a ser detractores de lo clásico y vamos a las cifras de edición que es de lo que trata este reportaje. Y es que el streaming mató a la música física, léase CD, y se afianza dentro del mercado con un crecimiento previsto de facturación de 75 millones de euros entre 2021 y 2025, según el portal Statista. De hecho, la distorsión entre los dos modos ha sido imparable desde 2006 cuando la música física inició su camino a los márgenes. Solo en 2021 la facturación de la música digital creció en alrededor de 42,5 millones con respecto al año anterior, aproximándose a los 303,5 millones de euros.

La edición cuenta con opciones adaptadas a la independencia y al bolsillo de los grupos musicales, aunque el proceso inicial es grabar, después el tema se materializará de una manera u otra con el formato elegido. Y es que ahora con un equipo mediano, compuesto por un ordenador, software de producción, altavoces, micrófono, teclado y controlador MIDI, se puede crear un hit ya no desde el baño sino desde tu dormitorio.


LE GARÇON RÊVÉ EN STREAMING

John y Diego forman “Le Garçon Rêvé” desde Valencia y tienen sus propias ideas en la edición de sus discos, y aunque optaron en el pasado por compañía discográfica,  ahora apuestan por difundir en streaming. John Martínez es la voz del dúo, procede de París y se juntó con el guitarra, Diego Summo, de Buenos Aires. Procedentes de esas dos grandes urbes recalaron con comodidad en Valencia desde donde trabajan y se dan a conocer. Con anterioridad grabaron dos discos con otros tantos sellos discográficos y producidos por José Luis Macías y ahora lo hacen de manera independiente a través de Bandcamp, plataforma de lanzamiento de artistas y de Youtube.

Le Garçon Rêvé/pic by Dulcinea Leiro

Reconocen sin embargo que es interesante combinar el lanzamiento con una compañía discográfica por los beneficios que puede aportar tener un vinilo o merchandising en general además de la promoción que se deriva para conciertos. Sus influencias son distintas, John ha bebido de grupos de rock indies y Diego del rock más clásico de los años 70. Los temas que les inspiran son “la vida misma, el amor, el desamor, el deseo fluctuante, la alienación en la ciudad, la literatura, la belleza, la muerte, la desigualdad social y ese intento de plasmar quién es uno en esta jungla”. Y no faltan referencias al cine, en concreto a John Waters, con el título de su segundo disco, “Eat your makeup”.

¿Creéis que el rock ha muerto?

Diego: ahora mismo me interesan modalidades como el trap y los elementos electrónicos.

John: creo que el rock aún está vivo porque puedes añadir tu personalidad a lo ya realizado. Un ejemplo fueron los Strokes en el año 2000 que lograron un cambio en el rock, pienso que va por ciclos, ahora se habla de Rosalía pero hay que dar tiempo a ver qué ocurre, creo que son debates que se generan en las redes sociales pero para valorar las obras necesitamos más tiempo.

-.Explicadme por qué habéis optado por el streaming en este disco…

John: buscamos libertad artística e independencia. La presión nos la ponemos nosotros y lo más importante para nosotros es poder crear música y que el público tenga acceso directamente a nuestras canciones. Diría que ahora mismo nos preocupamos más de hacer canciones y videos que llevarlas al directo.

Le Garçon Rêvé/ pic by Antonio Madrid

Diego: era momento para una parida. Teníamos mucho material acumulado y consideramos que era hora de darlo a conocer y se trataba de dar un salto de calidad que no podía ser de otra manera que con autogestión.

En ocasiones anteriores habéis utilizado un cauce diferente…

John: Con nuestro anterior proyecto, “Megaphone ou la Mort”, tuvimos la suerte de trabajar con un sello de Moncada llamado “Dress for Excess” con un primer disco “Camarade Coma”, distribuido por Pias  con el que fuimos de gira por toda España. El apoyo de un sello con un equipo formado por Elena Miquel y Ximo Amat, con una real visión artística fue una gozada. El segundo disco “A silent language” fue distribuido por un sello belga, VGB.

¿Veis contradicción entre la democratización que supone el acceso a publicar obra en redes y la calidad artística que puede conferir un apoyo ajeno al grupo como una casa de discos?

John: Soy de los que piensa que en la democratización hay cierta dualidad. Por un lado, creo que es fantástico que haya una alternativa al monopolio de los grandes sellos. La gente se monta su propio home estudio y no necesita a nadie. Pero por otra parte creo que hay gente que no debería hacer música y eso es válido tanto para artistas de grandes sellos como para los más underground. Es cierto que escucho más atrocidades en producciones caseras pero es mi humilde opinión.

Diego: no, no veo contradicción alguna. En definitiva hablamos de los mismo, de los medios que tenemos a nuestro alcance para conseguir nuestros fines, y en esa línea todas las estrategias son válidas

El dúo procede del “rompedor grupo” Megaphone ou la Mort”, según valora el crítico César Campoy, que arremetió en escena en la segunda mitad de la pasada década. John y Diego salieron de la banda y formaron este “Le Garçon Rêvé”, que acaba de publicar su tercer disco, “Give your soul a chance”, disponible en Bandcamp y Youtube. Además el cineasta valenciano Miguel Ángel Mengó Lloret prepara un documental que verá la luz en 2023. Muchos proyectos y andadura para unos músicos que también deben dedicarse a otras profesiones, John de traductor y Diego ligado a la escena musical con composiciones para piezas de teatro bajo el nombre de “Col-lectiu Penja´m” junto a Xavi Santillana.


PASTORE, CAMINO EN SOLITARIO

El proyecto  de Pastore, que es Sergio Pastor, nace en 2016, un cantautor en ese momento de reminiscencias folk. Tras reunir una colecciones de canciones de temática común contacta con Manolo Tarancón para grabarlas y da lugar a un disco que coge forma en los estudios Calexico, Valencia.

Para la grabación reúne a músicos amigos a los que admira, con un proceso de autoedición y la implicación de un montón de agentes que de forma voluntaria dan vida al proyecto.

Pasa luego dos años girando por salas de todo el país en años de muchos conciertos.
Tras ello un parón total, la pandemia. “Perdí el gusto por tocar en directo y me refugié intentando mejorar como músico. Pasé a grabar en casa, nunca dejé de componer”, dice Pastor.

¿Por qué elegiste la autoedición?
La música nunca me ha dado ningún beneficio económico. He perdido dinero en cada proyecto, evento, concierto que he realizado. Continuamente bromeaba sobre el tintineo que acompañaba a mis pasos siempre que hacía un bolo y que era debido a las monedas que iba perdiendo a cada paso dado. Mi primer disco surgió gracias a un Verkami. De otro modo, no podría haberlo hecho o hubiese sido distinto. El siguiente, un Ep que saldrá en septiembre, bajo el título “Centro de Interpretación del Romanticismo” está siendo grabado, mezclado y producido en casa de mi compañero de vida y de música, Carles Chiner. Creo que es el proceso natural dada mi situación y mis expectativas comerciales. Es un proceso hermoso y artesanal. Es el único modo en el que concibo grabar. No me planteo nada más. Soy enormemente feliz en este pequeño espacio del mercado.
Sobre la reproducción en streaming, Sergio tiene las ideas claras y cree que “restan romanticismo a los que crecimos siendo fieles compradores de música en formato físico pero la calidad sonora viene determinada por la comprensión de los archivos y el modo de tratarlos y cuando estás fuera del mercado puedes permitirte ciertas licencias. El producto final es de calidad, ya sea virtual o físico”.

¿Qué idiomas eliges para tus temas y por qué haces esa selección?

Sergio Pastore/ pic by Antonio Madrid

Siempre he compuesto en castellano pues es la lengua en que me expreso. Sin embargo, siempre estoy dispuesto a aventurarme en diferentes lenguas. Existe alguna composición en valenciano y un vano intento de componer en francés. Rarezas del repertorio.

¿Cuáles son los temas que te inspiran?
No temas totémicos a la hora de componer pero, es cierto, que la experiencia vital y cotidiana es lo que más me incita a componer. Mi familia, mis amigos, el cine, otros músicos forman parte de mi lenguaje musical. Creo que en ese aspecto tengo un estilo compositivo rural, cercano y local. Jamás compondría sobre el Delta del Mississipi, ni los Beatnicks de San Francisco, son mundo ajenos a mí aunque me atraigan como símbolo.

Al hilo de la anterior pregunta creo haber leído que tu inspiración no viene del sufrimiento – constante tópica que acompaña muchas veces a los artistas en el proceso de creación- y que elaboras tus temas desde una vida tranquila e integrada…

Nunca he compartido la máxima de que el sufrimiento refuerza el arte. Siempre leímos que nuestros ídolos pasaban por esa etapa en la que una catarsis personal deriva en una obra de arte. Sin embargo, no creo que ese sea el camino natural. Nos enseñaron a creer que nuestra casa, nuestros hijos, nuestros padres eran asteroides que hacían pedazos la imaginación y la creatividad, que para crear es necesario el abandono, el alejamiento, la abstracción o renunciar a la vida cotidiana. Es una gran mentira. Somos un todo y, desde que comprendí eso, mis canciones me representan de un modo más completo y real. En mi primer disco están representados todas las formas del amor: el adulto e íntimo, el paternal, el familiar y, por supuesto, el amor a la amistad.


PASTORE Y GAINSBOURG EN UNO

Todo este proceso verá la luz en forma de Ep el próximo septiembre. Seis canciones con un sonido alejado del folk del primer disco y que se engloban todas bajo el título “Centro de Interpretación del Romanticismo”. “Durante mucho tempo trabajé en la adaptación del repertorio de Serge Gainsbourg a nuestro idioma. Al final todo ello se ha transformado en este Ep que, en cierto modo, se apropia de su figura para dar la visión de un hombre que desconoce los códigos del amor actual y sufre un proceso de conversión hacia una nueva forma de amar. Creo que son unas canciones que huyen de lo personal pero que me representan mejor que cualquiera de las he hecho hasta hoy. Tiene mucho cinismo, humor y auto parodia. Algo que en la música de nuestro país siempre he echado en falta.”


DISYUNTIVA: JÓVENES EN AUTOEDICIÓN

Recalamos en este grupo de jóvenes genios murcianos implicados sobre todo en el metal y que acaban de lanzar su disco “No molestes a los muertos”, con nueve temas que giran desde el metal hasta el funk pasando por el hiphop. El single que han lanzado es LEX, un tema contundente y de conciencia social que recoge un interesante clip que lleva casi 13.000 descargas en Youtube. “Sensaciones macabras que dejarán ganas de más”, dice la banda, que refleja su empuje y fuerza en una portada original y muy “creepy” en la que se adivina que su propuesta va a ser diferente.

Disyuntiva/ pic by Laura Gómez Belchí

La banda ha autoeditado el disco con fondos propios y está disponible también en las plataformas digitales Spotify, Deezer e Itunes, un despliegue de música con rabia y con el que quieren “dar un golpe en la mesa sobre el panorama sonoro español”, según describen en su presentación.

El músico Johny Lorca es el que ha confíado en estos jóvenes portentos produciendo el disco. Él mismo es un joven de 28 años cuya virtuosidad le ha llevado a tocar con el grupo de hardrock “Hitten” o a participar en festivales como “Rock Imperium” o “Leyendas del rock” además de actuaciones en Japón. Confiemos en que su reseña se cumpla cuando dice que “este disco pondrá a Murcia en el mapa dentro del rock nacional”.

CRECIMIENTO IMPARABLE

Una tercera opción es la clásica, la grabación con un sello discográfico, pero lo que es un hecho es el crecimiento imparable que supone la edición y la reproducción en streaming. Según recoge el anuario de la SGAE de las Artes Escénicas, Musicales y Audiovisuales 2021, las descargas de música que se realizaron en 2020 subieron por segundo año consecutivo, alcanzando los 2.303 millones de archivos, 171 más que en 2019. De ellos, 2.102 millones son archivos descargados sin pagar, 177 millones más que un año antes.

Según el informe de la SGAE en 2020 se mantiene el incremento del número de canciones escuchadas en streaming, alcanzando los 79.585 millones, un crecimiento en relación a 2019 de 9.605 archivos musicales, un 13,8% más.Y el 76,2% de las canciones escuchadas se hicieron de manera gratuita.


JUANCHO ALEGRETE: CON SELLO DISCOGRÁFICO A LA PERFECCIÓN

Juancho publica ahora su segundo disco, de nuevo bajo el apelativo de Hank Idory en clara referencia a David Bowie. Las críticas son solo positivas para este madrileño afincado en Valencia que debutó hace unos años con ese vinilo homónimo y ahora edita de nuevo con el sello Pretty Olivia Records otra entrega bajo el título de “Sentimental Jamboree”. De él dice Juanjo Frontera en “Ruta 66” que desprende “un despliegue soleado y multicolor” un “pop de orfebre” una especie de síndrome de Stendhal “felicidad pura encapsulada”.

Hank Idory/ pic by Alfredo Beltrán

Por qué has optado por un modelo de edición y no por otro…

Me parece el soporte más bonito que existe para editar una colección de canciones. Escuchar música en vinilo es una experiencia sensitiva total: no solo el sonido es diferente, más cálido, sino que también puedes sentir el aroma del vinilo y la portada. Te puedes quedar hipnotizada viendo girar el disco…Además es un ritual que te permite estar centrado en ese momento y no en otro. Desde este punto de vista, la escucha se hace más consciente. Por otra parte creo que permite ampliar la expresión artística más allá de la propia música mediante el arte de la portada, completando el concepto del álbum.

En mi opinión, un disco de vinilo siempre aguantará mejor el paso del tiempo como pieza de coleccionismo. Creo que Javier Abad, del sello Pretty Olivia Records, que ha editado los dos discos de Hank Idory y a quien le debo todo, seguramente piensa lo mismo…Por eso solamente edita en vinilo.

¿Por cuál de ellas apuestan los músicos hoy en día?

Conozco a gente que hace música y que no quieren saber nada de ediciones físicas y a gente enamorada del CD, que siguen editando sus obras en ese formato. Sin embargo, cada vez más, veo ediciones de discos nuevos en vinilo a mi alrededor. Tengo la percepción de que se apuesta por el vinilo cada vez más…

¿Crees que el acceso inmediato a difundir la música resta calidad a lo que se crea?. Todo el mundo puede subir temas a redes con pocos medios pero no hay nadie que verifique de antemano una mínima calidad…etc.

No lo creo. Afortunadamente la edición digital permite conocer talentos escondidos de cualquier parte del planeta! Cuántas obras maestras habrán quedado sepultadas bajo el criterio de otras personas y no han visto nunca la luz…

A pesar de todo ello, ¿siguen siendo Madrid y Barcelona los centros desde donde se «bendice» todo?

Si, no se puede decir otra cosa.

Fuera de circunstancias que llevan a difundir temas ¿cuál sería el proceso ideal para ti? ¿una combinación de los sistemas de edición?

“Sentimental Jamboree”, el nuevo disco de Hank Idory fue inicialmente editado únicamente en vinilo y no fue hasta meses después que se editó en digital. Queríamos poner en valor la edición física por encima de todo…El disco no estuvo disponible en plataformas digitales durante un tiempo y es una forma de decir que la edición digital no era lo más importante Este es el sistema de edición más coherente con todo lo anterior y creo que es lo ideal para una banda como Hank Idory.


UN PRODUCTOR DE LUJO: MORILLAS O EL FUNDAMENTO

Y para completar este reportaje no podía faltar una de los elementos fundamentales para que el disco recorra su camino, el productor. Es el fundamento de cada uno de las publicaciones, denostado por algunos, soporte para otros, su influencia puede cambiar o mejorar una grabación. En el caso que nos ocupa, Paco Morillas, es “el productor”, porque se implica y es histórico en su profesión. Con años de experiencia, saber hacer y conjugar su conocimiento para ponerlo a disposición de las bandas con las que ha trabajado como Limbotheque, Ainda Nao, Mr Sánchez, Fronkonstin, Guille Dinnbier, Ulan, Petit Mal, Sergio Sanz o Furya, entre otros.. Actualmente está haciendo un disco para una banda llamada Turbodildos, de Valencia y que “me gustan mucho por su originalidad e influencias, no son nada suaves pero parecen buenas personas y va a quedar un trabajo potente”, dice Morillas.

Creo que llevas bastantes años en este mundo de la producción ¿que diferencia destacarías entre la producción de hace 20 años y la de hoy en día?

Sí, llevo produciendo música en estudios de grabación desde el año 2004. Enfocaría la pregunta desde dos perspectivas diferentes pero complementarias de la producción, la técnica y la creativa. Hace 20 años el digital estaba imponiéndose a la grabación analógica, fue la época del cambio, se abrió una forma nueva de producir donde los ordenadores tomaron el relevo a la grabación en cinta magnética.Desde entonces todo lo relacionado con procesos digitales y herramientas de creación como librerías de sonido y software en general no ha dejado de crecer. Las técnicas de producción en este sentido han cambiado, o mejor dicho se han expandido. En cuanto a los procesos creativos la era digital ha contribuido a la forma de crear ya que los artistas pueden plasmar y dar forma a sus ideas en sus casas con cualquier ordenador o incluso con su móvil. Lo que no ha cambiado nada es la inspiración para crear, poca gente sabe cuándo viene y de dónde.

Qué papel desempeña el productor en la creación del disco ¿está al mando para cambiarlo todo? ¿al final crea su propia obra?

Cada productor tiene su forma de trabajar, a mí me gusta crear el disco que los músicos quieren escuchar. Me hago a un lado en muchos aspectos y me centro en capturar muy bien los sonidos y las sensaciones.También me centro mucho en los arreglos, armonías y conceptos globales de las canciones. Digamos que soy invisible sin serlo. Al final, cada proyecto ha de tener su propia personalidad y es por eso por lo que empiezo a producir antes de empezar a grabar. Busco la mejor forma de conseguir el mejor resultado para cada producción y para eso uso mi experiencia y la imaginación.

Si atendemos a que algunos productores fueron músicos o se quedaron en ese camino..¿hay algo de frustración o la creatividad que aporta al disco suple esa aspiración?

Una vez leí en algún sitio que un productor musical es un músico frustrado, y creo que en parte es así aunque naturalmente no se puede generalizar. No has de ser músico para ser productor musical pero indudablemente ser músico o tener nociones musicales es más que una ayuda en el proceso. La música es un lenguaje y para poder plasmarlo lo has de conocer bien, en mi experiencia sin duda es de gran ayuda tocar algunos instrumentos. Contestando a la pregunta, el estar involucrado en un proyecto musical creativo suple con creces la frustración que se pueda tener cómo músico en el caso de que la hubiera.

¿Qué vuelco supone para tu profesión el crecimiento de las autoediciones y el streaming?

Las autoediciones y el streaming llevan ya mucho tiempo con nosotros, no es algo negativo en absoluto, han cambiado algunas cosas como por ejemplo hacer producciones compartidas o colaboraciones. Me permite trabajar a tiempo real con estudios de otros países y por ejemplo también mezclar canciones mientras el cliente está en su casa escuchando lo que hago y dándome feedback.

Morillas ha trabajado con muchos grupos y productores, realizando discos de música basada en guitarras o instrumentos acústicos. A medio futuro se plantea ampliar el equipo de directo para acompañar a bandas que produce en sus conciertos. Su centro de ebullición y explosión es “El Árbol Estudio” donde además de grabación se desarrollan contenidos para la publicidad, producciones para podcast, audiolibros o doblaje y donde francamente se deben producir milagros que conjugan la buena materia prima musical y la manufactura a la que les somete Morillas, resultado 10.

Amaya Marín Mendizábal